Une brève histoire des styles de design d’intérieur
On juillet 28, 2021 by AdminLorsque vous pensez au terme « design d’intérieur », il est peu probable que vous l’associez à une hutte en terre. Les racines du design d’intérieur ont été attribuées scolastiquement aux structures en argile construites par les anciens Égyptiens, autrement connues sous le nom de huttes de boue.
L’évolution des styles de design d’intérieur à travers l’histoire
Les anciens Égyptiens
Pour agrémenter les espaces de vie, les familles ont ajouté des meubles fonctionnels qu’elles ont recouverts de peaux de bêtes ou d’autres textiles. Au fil du temps, des versions de poteries telles que des vases peints, des peintures murales et des sculptures sont devenues populaires.
Romains et Grecs
Inspirées des concepts de décoration égyptiens, les civilisations romaine et grecque utilisaient des mosaïques, des peintures murales et des vases. Les styles d’intérieur de la maison variaient cependant; les Romains se concentraient sur la beauté et le confort, comme moyen de démontrer la richesse et le statut. Ils fabriquaient des meubles à partir d’une variété de bois, de pierres et de métaux. Conformément à l’accent mis sur le luxe et l’esthétique, le mobilier comprenait des coussins confortables et à la mode; tandis que les revêtements muraux affichent des motifs décoratifs. En revanche, les Grecs se sont concentrés sur la décoration de meubles de conception complexe. Les métaux précieux et l’ivoire ont été utilisés pour créer des meubles élégants. Les Romains et les Grecs ont également inventé les bâtiments à toit voué.
Européens : le sacré et le profane
Design de style gothique
Le Haut Moyen Âge et la fin du Moyen Âge ont vu l’architecture romane évoluer vers ce que l’on a appelé le style gothique. Apparu pour la première fois au XIIe siècle en France, le design se caractérise par des voûtes d’ogives, des arcs brisés et des arcs-boutants. Conformément à la dévotion des pays européens à leur religion, les exemples les plus célèbres du style gothique se trouvent dans les églises, les cathédrales et les abbayes. Les fidèles chrétiens croyaient que leur créateur jugeait leur foi en fonction de l’étendue et de la grandeur de leurs structures religieuses. Plus le bâtiment est grand et grandiose, plus la bénédiction leur serait accordée par le Dieu chrétien, ici sur terre et dans l’au-delà.
Conception de style Renaissance
La période de la Renaissance était connue comme la « renaissance » sacrée de l’art, de l’architecture, de la littérature, de la science, de la musique et du design d’intérieur. Originaires de Toscane et de Florence, en Italie, les influences de la conception du Moyen Âge, telles que les arcs brisés et les lignes nettement délimitées dans la conception, ont été adoucies en arches arrondies et en colonnes généreuses. Décorativement, la gargouille bestiale a été remplacée par de douces représentations de la vie européenne.
Fait intéressant, la Renaissance était en partie le résultat des ambitions politiques «profanes» des rois et des dirigeants sous la forme de guerres qui faisaient rage, ainsi que de poursuites artistiques motivées par l’ego. Un exemple en est l’influence massive de François Ier, roi de France. L’appréciation de François pour les arts et la guerre en cours avec l’Italie ont servi d’inspiration pour une résurgence de la créativité au sein des communautés culturelles, scientifiques, intellectuelles et artistiques de la France. Dans l’esprit de François, il renforçait la couronne ainsi que sa position politique en faisant venir en France des maîtres italiens et leurs œuvres. Le plus célèbre de son acquisition des services de Léonard de Vinci et du tableau de la Joconde qu’il a utilisé pour décorer le pavillon de chasse royal, le château de Chambord.
Intérieurs de style baroque
La période baroque a émergé au 17ème siècle en Italie et a continué à s’étendre vers le nord. Le terme signifie « irrégulier » et était initialement un produit de la Contre-Réforme catholique. Un lambrequin en velours massif, audacieux et riche, des meubles en marqueterie et des écussons caractérisent le style. La symétrie et la précision des représentations complexes de « putti » ou de jeunes garçons et de feuillages sont caractéristiques de l’époque. Au fur et à mesure de sa diffusion, il a été de plus en plus transformé par des influences séculaires. Les monarchies puissantes ont utilisé cette approche pour démontrer leur pouvoir, leur apparat et leur force. L’architecture et le design intérieur opulents et robustes ont particulièrement et profondément affecté les pays et les cultures européens.
Style néoclassique
Au milieu du XVIIIe siècle, les villes de Rome, Milan, Naples, Turin et Gênes ont rejeté les éléments de design baroques en faveur de ce qui serait connu sous le nom de design d’intérieur néoclassique italien. Basé initialement sur l’architecture grecque, romaine et de la Renaissance, la Grande-Bretagne et la France deviendraient des leaders dans le développement de l’art néoclassique. Des exemples de la période peuvent être vus dans des meubles qui ressemblent au style Louis XVI et exagèrent les dos et les cous de meubles en retrait, ainsi que les armoires vénitiennes de forme géométrique. Les designers italiens ont adopté le secrétaire de style français et le meuble encoignure en incorporant des motifs de signature complexes. Or, pierres précieuses, ornements exotiques et bijoux ont servi à faire du fauteuil français Louis XVI une création typiquement italienne.
Design d’intérieur pour les masses
Avant le XIXe siècle, l’art et le design d’intérieur n’étaient appréciés, commandés et promulgués que par les individus puissants, riches et influents d’un pays. Cependant, comme les déterminations féodales et ancestrales de la valeur sociétale étaient de plus en plus diminuées par les développements socio-techno-économiques ; l’importance du citoyen individuel devint le premier et le plus important prodige de la modernisation.
Art nouveau
Bien qu’il n’ait duré que trois décennies, de 1880 à 1910, le mouvement Art Nouveau a profondément influencé l’histoire du design d’intérieur. Principalement caractérisé par des formes géométriques, des arcs et des paraboles symétriques ; le style a conduit à la création de lampes Tiffany et à l’adoption globale du vitrail. La Tour Eiffel de renommée mondiale est emblématique de la conception artistique de cette période.
Art Déco
Émergeant après la Première Guerre mondiale, l’Art déco est né dans le rugissement des années 1920. La richesse aux États-Unis a doublé entre les années 1920-1929 et a apporté avec elle une nouvelle attitude d’opulence, d’extravagance et d’indulgence. Le style de design d’intérieur de l’époque a été identifié par l’utilisation de chrome, d’acier inoxydable, de formes géométriques et épurées. Avec l’urbanisation croissante, la culture de masse et un style de design d’intérieur ont accueilli des formes audacieuses, de larges courbes, du cuir noir et même un soupçon de peau de zèbre.
Styles de design d’intérieur d’aujourd’hui
La bonne nouvelle est que non seulement on profite d’un large éventail de styles de design parmi lesquels choisir ; vous n’avez pas non plus à décorer en solo. Au début des années 1900, le design d’intérieur professionnel a émergé comme une carrière et plus jamais un individu, une famille ou une entreprise n’aurait à affronter seul les océans de la décoration. En fait, en 2016, il y avait plus de 53 000 architectes d’intérieur aux États-Unis seulement spécialisés dans des styles tels que l’américain traditionnel, le country, le shabby chic, le scandinave, le nautique, l’hacienda, le minimaliste, l’industriel, l’asiatique, le bohème/marocain et l’éclectique, juste pour n’en nommer que quelques-uns.
En conclusion
Une étude approfondie du design d’intérieur révèle une évidence : l’évolution de chaque style ne s’est jamais produite dans le vide. Tout comme la roche fluviale est façonnée par les variations des courants d’eau qui coule, chacun des styles de design d’intérieur uniques a été déterminé, dans une large mesure, par ce qui se passait à l’extérieur. La politique, la guerre, l’économie, la technologie, l’architecture, l’éducation et le changement climatique ont tous contribué à des conceptions qui ont représenté avec précision les passions artistiques et les besoins des artistes dominants, ainsi que ceux de la population participative.